En una era cinematográfica obsesionada con la exposición constante y el diálogo explicativo, el director Isaiah Saxon nos invita a apagar el ruido y simplemente observar
Isaiah Saxon creció con las secuoyas del condado de Santa Cruz. Pasaba mucho tiempo él solo vagando por los bosques o construyendo cabañas con sus amigos, rodeado de naturaleza. Cuando creció, desarrolló su carrera dentro de los videoclips musicales, pero siempre ha tenido una pata en otros proyectos: un estudio de animación, una comunidad educativa online para niños, la construcción de su propia comunidad en Aptos... Es un hombre todoterreno que prima la creación artesanal y eso se nota en La leyenda de Ochi, una aventura de fantasía que llega a los cines el 23 de enero de mano de A Contracorriente Films y que ha sido minuciosamente diseñada desde hace seis años.
La protagonista es Yuri, una joven rebelde que vive en la isla ficticia de Carpathia. Ha crecido creyendo que debe temer a las criaturas nocturas de los bosques, los Ochi. Cuando Yuri encuentra un bebé Ochi herido, decide escaparse de casa y embarcarse en una aventura para reunirlo con su familia. En el papel protagonista encontramos a Helena Zengel, una joven de 17 años que ya ha aparecido en Noticias del gran mundo y System Crasher. Junto a ella, Willem Dafoe, Finn Wolfhard y Emily Watson.
La película se presenta como una cinta casi no verbal -de hecho, habían planeado hacer un musical diegético donde los personajes producirían música de manera orgánica, como William cantando en la mesa o la madre tocando la flauta- en un contexto actual en el que Netflix, la plataforma de 'streaming' predominante, pide a sus creadores que subrayen la trama para esos espectadores que miran el móvil mientras tanto. Es todo un ejercicio reflexivo, pero también una maravilla visual de la que seguramente no puedas apartar la mirada.
Tienes una larga trayectoria en videos musicales con una narrativa visual específica. ¿Cómo está presente este estilo en La leyenda de Ochi?
Mi estilo proviene de mi interés en la comunicación no verbal y en contar historias a través del entorno y de personajes que toman decisiones y piensan en cosas, pero no necesariamente hablan de ello. Los videos musicales que hice eran en gran parte narrativos, y las narrativas eran no verbales. Veías a los personajes moverse a través de una historia simplemente tomando decisiones y con eventos sucediéndoles. El entorno, el estado de ánimo y la música realmente cargaban con el significado de la pieza. Ese es un tipo de visionado muy diferente al cine narrativo; a menudo es más meditativo y requiere que hagas un poco más de trabajo. No va realmente acorde con los tiempos actuales donde todo el mundo quiere información, exposición y diálogos de trama, pero este estilo meditativo, visual y musical es al que he respondido más profundamente.
Trabajaste con el compositor David Longstreth. ¿Cómo dio forma su trabajo al universo de la película?
Empezamos a hablar años antes de que se hiciera la película, así que fue el colaborador más antiguo. Debido a que gran parte del significado y la emoción se transmite en la música, se sentía como si estuviéramos escribiendo otro guion. Inicialmente, pensamos que la película sería como un musical diegético donde los personajes producirían música de manera orgánica, como William cantando en la mesa o la madre tocando la flauta. Con el tiempo, se centró más en la banda sonora. Queríamos resaltar la música real de los Montes Cárpatos, Rumanía y Ucrania, utilizando instrumentos tradicionales como la flauta de pan rumana. También nos basamos en compositores modernistas del siglo XX como Messiaen y Stravinsky. Queríamos una partitura grandiosa y clásica que se situara por encima de la película, muy fuerte y llevándote, algo así como en Fantasía, donde son solo imagen y música a la máxima potencia.
Háblame del proceso de creación de los Ochi: su apariencia física, lenguaje y movimientos.
Mi esperanza desde el principio era intentar crear una especie de primate realista que los niños pudieran confundir con algo real, no solo una criatura de película. Quería que encarnaran patrones naturales que se encuentran en otras especies, así que observamos lémures, tarseros y monos dorados de nariz chata. Para su lenguaje, observamos la comunicación de delfines, pájaros y ballenas. El diseño físico y la ejecución se realizaron con el colaborador John Nolan y su taller de criaturas en Londres. Empezamos a crear prototipos tres años antes de la película. Para cuando estábamos filmando, la marioneta era solo otro actor, orquestada por un grupo de siete titiriteros en perfecta sincronía. Además, Peter Elliot, un entrenador de movimiento de primates, ayudó a guiar el realismo de las interpretaciones de los simios, asegurándose de que actuaran como realmente lo haría un simio en esas situaciones.
¿Cuánto duró el proceso de hacer la película?
Fue un proceso de seis años. Comencé a trabajar a tiempo completo en 2018 y terminé la película en 2024. Antes de eso, era solo una idea sobre la que iba tomando notas.
¿Qué aportó la actriz principal, Helena Zengel, a la historia?
Elegimos a Helena después de verla en una película llamada System Crasher. Es una fuerza de la naturaleza y tiene acceso a emociones muy oscuras. En el set, era muy gregaria, hablando a mil por hora, como una adolescente muy extrovertida. Pero en el momento en que decía "acción", se transformaba completamente en este otro ser humano que está cerrado, reprimido y callado. Podía hacerlo en un instante. Ella lleva el peso de la película y mostró mucha resiliencia en el frío agotador de Rumanía durante 37 días seguidos.
¿Cómo es tu relación con la naturaleza? La naturaleza parece estar en el centro de la historia.
Toda la película nace de un amor por los animales y los ecosistemas naturales. Cuando pienso en la experiencia del asombro, es una en la que te sientes muy pequeño y entiendes la inmensidad del mundo, pero estás feliz y contento de ser pequeño. Crecí en el bosque de secuoyas en el condado de Santa Cruz y pasé mucho tiempo solo vagando por los bosques. Más tarde, mis amigos y yo construimos cabañas y vivimos allí en el bosque, lo que formó mi conexión con él. Quería compartir esa experiencia con los niños, quienes creo que tienen ideas mucho más instintivas y abiertas sobre la naturaleza en comparación con los adultos, que a menudo llevan vidas de desconexión.
¿Qué mensaje querías dejar a la audiencia con la película?
El mensaje para los niños es que confíen en sus instintos y busquen conexión en la naturaleza. Que sepan que incluso si sus padres no los entienden o no los apoyan, e incluso si están alienados de ellos, pueden confiar en sí mismos y seguir lo que creen que es correcto. Sus padres probablemente los alcanzarán en algún momento.